Filho de colecionadora diz que roubo de quadros nos Jardins foi encomendado
Dois quadros de Portinari e um de Tarsila foram levados no domingo. Polícia vai buscar imagens de câmeras de rua nos Jardins, em São Paulo.

Ardilhes Moreira Do G1, em São Paulo

O artista plástico Cláudio Maksoud, de 53 anos, disse acreditar que o roubo de quatro obras na casa de sua mãe, a colecionadora Ilde Maksoud, foi encomendado. “Levaram os três quadros mais importantes”, disse. A ação ocorreu em uma residência de alto padrão na Rua Estados Unidos, nos Jardins, área nobre da capital paulista. A quadrilha chegou na manhã de domingo (10), dia em que a família se reuniria para o almoço do Dia das Mães. Por volta das 9h, os criminosos simularam uma entrega de flores e tiveram a entrada liberada. “O que me chamou a atenção e vai para o Guinness Book é que entraram 20 pessoas. Minha mãe foi acordada por um homem com metralhadora no quarto”, diz o filho.

saiba mais: http://g1.globo.com/Noticias/SaoPaulo/0,,MUL1115835-5605,00-FILHO+DE+COLECIONADORA+DIZ+QUE+ROUBO+DE+QUADROS+NOS+JARDINS+FOI+ENCOMENDADO.html

O que significa a palavra GESTALT?

Gestalt é um termo intraduzível do alemão, utilizado para abarcar a teoria da percepção visual baseada na psicologia da forma.

Leis gestaltistas da organização

A Teoria da Gestalt, em suas análises estruturais, descobriu certas leis que regem a percepção humana das formas, facilitando a compreensão das imagens e idéias. Essas leis são nada menos que conclusões sobre o comportamento natural do cérebro, quando age no processo de percepção. Os elementos constitutivos são agrupados de acordo com as características que possuem entre si, como semelhança, proximidade e outras que veremos a seguir. O fato de o cérebro agir em concordância com os princípios Gestálticos já poderia ser considerado a evidência fundamental de que a Lei da Pregnância é verdadeira. São estas, resumidamente, as Leis da Gestalt:

SEMELHANÇA: Ou "similaridade", possivelmente a lei mais óbvia, que define que os objetos similares tendem a se agrupar. A similaridade pode acontecer na cor dos objetos, na textura e na sensação de massa dos elementos. Estas características podem ser exploradas quando desejamos criar relações ou agrupar elementos na composição de uma figura. Por outro lado, o mau uso da similaridade pode dificultar a percepção visual como, por exemplo, o uso de texturas semelhantes em elementos do "fundo" e em elementos do primeiro plano.

PROXIMIDADE: Os elementos são agrupados de acordo com a distância a que se encontram uns dos outros. Logicamente, elementos que estão mais perto de outros numa região tendem a ser percebidos como um grupo, mais do que se estiverem distante de seus similares.

BOA CONTINUIDADE: Está relacionada à coincidência de direções, ou alinhamento, das formas dispostas. Se vários elementos de um quadro apontam para o mesmo canto, por exemplo, o resultado final "fluirá" mais naturalmente. Isso logicamente facilita a compreensão. Os elementos harmônicos produzem um conjunto harmônico. O conceito de boa continuidade está ligado ao alinhamento, pois dois elementos alinhados passam a impressão de estarem relacionados.

PREGNÂNCIA: A mais importante de todas, possivelmente, ou pelo menos a mais sintética. Diz que todas as formas tendem a ser percebidas em seu caráter mais simples: uma espada e um escudo podem tornar-se uma reta e um círculo, e um homem pode ser um aglomerado de formas geométricas. É o princípio da simplificação natural da percepção. Quanto mais simples, mais facilmente é assimilada: desta forma, a parte mais facilmente compreendida em um desenho é a mais regular, que requer menos simplificação.

CLAUSURA: Ou "fechamento", o princípio de que a boa forma se completa, se fecha sobre si mesma, formando uma figura delimitada. O conceito de clausura relaciona-se ao fechamento visual, como se completássemos visualmente um objeto incompleto. Ocorre geralmente quando o desenho do elemento sugere alguma extensão lógica, como um arco de quase 360º sugere um círculo.

EXPERIÊNCIA PASSADA: Esta última relaciona-se com o pensamento pré-Gestáltico, que via nas associações o processo fundamental da percepção da forma. A associação aqui, sim, é imprescindível, pois certas formas só podem ser compreendidas se já a conhecermos, ou se tivermos consciência prévia de sua existência. Da mesma forma, a experiência passada favorece a compreensão metonímica: se já tivermos visto a forma inteira de um elemento, ao visualizarmos somente uma parte dele reproduziremos esta forma inteira na memória.

Análise das imagens

Para se fazer uma análise sintática de uma imagem, é preciso, necessariamente, identificar os principais elementos da composição. E tratar a imagem não como a semiótica, que faz a análise da ligação e significado das partes que a compõem, mas sim do ponto de vista da percepção do olho humano, do modo de estruturar naturalmente os seus elementos gráficos em nossa mente. Foi justamente para estudar essa percepção que se desenvolveu a Teoria da Gestalt. Propõe essa teoria, entre outras regras, que o cérebro humano tende automaticamente a desmembrar a imagem em diferentes partes, organizá-las de acordo com semelhanças de forma, tamanho, cor, textura etc., que por sua vez serão reagrupadas de novo num conjunto gráfico que possibilita a compreensão do significado exposto. A Gestalt estabelece sete relações através das quais as partes da imagem são agrupadas na percepção visual: proximidade, semelhança, direção, pregnância, boa continuidade, fechamento e experiência passada. Esse dom natural de "arrumar" as informações passadas em seu cérebro possibilita ao homem assimilar esses dados com maior facilidade e rapidez. Na Arte figurativa, em geral, a preocupação na organização e disposição dos elementos ultiliza-se dos mesmos princípios posteriormente estudados pela Gestalt, desde os estudos de Leonardo Da Vinci e Alberti sobre a perspectiva e a hierarquização dos componentes, podendo os valorizar, dar-lhes destaque ou relegando-os a segundo plano, tendo como resultado na obra final um papel principal e destacado, logo percebido pelo espectador, ou secundário no entendimento da cena. Em Gestalt, explicamos esse "fenômeno da percepção" através da decomposição e imediata recomposição das partes em relação ao todo. Não é muito diferente com a imagem comunicativa. Os mesmos elementos da figura artística se aplicam à comunicação visual, inclusive a retórica. Uma imagem é capaz de ter a mesma eloqüência que um discurso falado ou mesmo que um livro. Tudo depende da ordem e da intensidade em que são organizados: a sua configuração ou Gestalt. Seja texto ou imagem, estamos lidando com discursos da propaganda, e daí devemos perseguir sempre os elementos fundamentais desses objetos de análise..
créditos:
http://mundovampyr.spaces.live.com/blog/cns!5D46570095BCB829!411.entry

Também:

A Psicologia da forma, Psicologia da Gestalt, Gestaltismo ou simplesmente Gestalt é uma teoria da psicologia que considera os fenômenos psicológicos como um conjunto autônomo, indivisível e articulado na sua configuração, organização e lei interna. A teoria foi criada pelos psicólogos alemães Max Wertheimer (1880-1943), Wolfgang Köhler (1887-1967) e Kurt Kurt Koffka (1886-1940), nos princípios do século XX. Funda-se na idéia de que o todo é mais do que a simples soma de suas partes.

http://pt.wikipedia.org/wiki/Gestalt

Regras éticas e estéticas na criação de arte

RUBENS PILEGGI SÁ
Pensar na criação artística como um evento de fluxos, processos e continuidades onde a "obra de arte" seja apenas um instante de uma força motriz em eterno movimento e, principalmente, sem abandonar a questão ética e estética do foco, fazendo com que poética e política sejam indissociáveis, continua sendo um dos assuntos mais pungentes e urgentes sobre arte, desde o advento do modernismo, mais ou menos no final do século 18.
Quando se questiona noções como autoria, genialidade, originalidade, criatividade, tentando pensar a poética a partir de outras configurações como a criação coletiva, interfaces entre arte e vida - onde uma e outra se nutrem, confundem e se misturam - e direitos e propriedades, de modo geral, o que se pretende, de fato, é ampliar as possibilidades de criação além do que espera o bom gosto oficial e do que já está formatado como padrão para se pensar a arte em nossos dias.
Assim, não só a feitura da imagem passa a pertencer a um mundo onde tudo pode se transformar em arte, como também o próprio ato de realizar algo passa a ser um evento artístico, também. Por exemplo, incluindo espaços onde não se pensava poder abrigar arte, antes. Ou, com materiais perecíveis, recicláveis. Ou, até mesmo, com o próprio corpo.
Mais, fundindo e hibidrizando linguagens, onde os limites do que é pintura, escultura, desenho, teatro, dança, vídeo, etc. não sejam mais estanques, mas complementares. E, até, onde texto e ação se fundam, imagem e palavra se confundam. A arte já não é somente para "representar" o mundo, mas significá-lo, também. E hoje vivemos com tanta informação e material disponível que se torna tarefa indispensável manter-se atento ao tipo de trabalho que se pretende desenvolver, ainda mais quando se procura atravessar as brechas, vãos e rachaduras que nossa "sociedade de espetáculo" acaba proporcionando. Ou seja, cada vez mais a arte se transforma em "cosa mentale", como já dizia o renascentista da Vinci.
Com tanto material disponível, era de se esperar que uma hora aquela idéia que tínhamos de gênio, de originalidade, de esperança no novo, no moderno, fosse se esgotar. E, então era preciso reciclar as idéias para manter viva a chama da criação.
A colagem, já disse a crítica Rosalind Krauss, inaugura um pensamento onde a arte passa a trabalhar com vários materiais distintos à disposição do artista. E, a partir daí a idéia de colagem se amplia até o ponto de misturar não somente materiais, mas, qualquer forma com outra. Seja no nível das linguagens, seja um rato com uma orelha nas costas, como as recentes pesquisas no campo da genética. O que parecia somente uma brincadeira dadaísta do começo do século passado, tornou-se uma sombria profecia contemporânea.
Quando falamos em plágio, roubo de idéias, imitação, cópia, por exemplo, não queremos dizer, com isso, que tudo está liberado ao bel prazer de quem quiser se apropriar do trabalho alheio, mas de que esta é uma possibilidade de trazer para o mundo da arte e das idéias algo mais que um simples golpe comercial que se tornou regra no mercado. A cópia deslavada do trabalho e da pesquisa alheia.
Talvez, em arte, por uma questão de formação cultural, esse tipo de mecanismo se torna até mais grosseiro, porque se espera do artista alguma envergadura moral e senso crítico de seu trabalho. E, para não confundir o público, mostrando como exótico algo retirado de seu contexto e, vendido como arte em galerias, exposições e museus, por exemplo. Tirar uma árvore da mata e expor suas raízes em uma vitrine, como raridade, pode tornar seu autor com a fama de esperto, mas nunca um artista capaz de pensar sua época. Ainda estamos em tempos onde o marxismo é fundamental para entender o capitalismo e, somado ao enorme desperdício dos recursos naturais, isso de ser contra a própria criação, como se ela também não fosse o "deus ex machina", um golpe de teatro.
Rubens Pileggi Sá é artista, escreve na Folha de Londrina e publicou o livro Alfabeto Visual, a venda na Livraria do CANAL.

À DESCOBERTA DO IMPRESSIONISMO

Impressionismo foi uma corrente artística que se desenvolveu em França, sobretudo nos anos 60 e 70 do século XIX. Assumiu o carácter de movimento quando um grupo de jovens pintores, constituído por Monet, Pissarro, Cézanne, Renoir, Basile e Sisley, se encontrou na Academia Suíça, em Paris. Unia-os o interesse contra a pintura académica, a que contrapunham a pintura feita nos locais e condicionada pelas observações resultantes das mudanças da luz e cor ao longo do dia.
Quando em 1863, o quadro de E. Manet "Almoço na Relva", foi rejeitado pelo Salão Oficial, o grupo organizou o Salão dos Recusados, com o apoio do imperador Napoleão III, onde foram expostas algumas obras de pintores impressionistas. Este foi o primeiro espaço agregador da nova pintura , cujos promotores se encontravam e conviviam no Café Guerbois e no Café Nova Atenas. Apesar de serem oficialmente rejeitados, o escritor Zola defendeu-os publicamente e incentivou-os a continuarem as suas experiências plásticas e técnicas.
Influenciados também pelas descobertas sobre a cor e a luz, estes pintores vão procurar as margens dos rios, em particular o Sena, para tentarem reproduzir em linguagem pictural, os efeitos da luz sobre a água. Em 1871, C. Monet e Pissarro trabalham em conjunto e deslocam-se à Holanda e à Inglaterra, onde se inspiram na obra de W. Turner e de J. Constable. É precisamente Monet que, em 1872, pinta o quadro que servirá de referência identificadora da nova pintura "Impressão, Sol Nascente". Apresentado publicamente, inspira um crítico da época que toma o título deste quadro como base do termo Impressionismo, com significado pejorativo.
Apesar dos percursos singulares quanto à técnica e às temáticas, o movimento apresentava uma unidade nas intenções e nas práticas, embora não tenha sido objecto de uma elaboração teórica por parte dos seus protagonistas. Só à prática de uma pintura baseada na impressão individual face ao tema e num tecnicismo científico unia as intenções de vários membros. Em 1874, estes expressam-se pela primeira vez como impressionistas no atelier do fotógrafo Nadar em Paris, realizando posteriormente mais sete exposições de grupo, até 1886, ano em que também são divulgados em Nova Iorque.
A pintura impressionista inscreve-se também no contexto do debate sobre o real. Enquanto, para os académicos, a pintura regista o mundo entendido como verdadeiro e permanente, os impressionistas tinham outro entendimento da realidade. Para estes, a realidade estava em constante mutação e a pintura devia ser capaz de traduzir esta ideia de mudança.
A arte impressionista era uma arte de ruptura, porque priveligiava a investigação e a experimentação, rompendo com os convencionalismos existentes - "Olímpia" de E. Manet. As obras de ruptura reivindicam a autonomia da sua linguagem e destroem os convencionalismos académicos. A pintura impressionista procurou reproduzir a natureza na sua mutação profunda e tornou-se, assim, um método científico de análise da realidade através da observação e da utilização de técnicas adequadas. Por isso, os pintores procuram registar ambientes físicos que traduzissem cenários diferentes, de acordo com a ambiência da luz e da cor. O mesmo cenário podia ser pintado pelo mesmo ou por vários pintores com resultados diferentes, tudo dependendo da hora do dia, da época do ano e do enquadramento do tema. Entre a realidade e a tela pintada não havia influências, nem de sentimentos, nem de estudos. O pintor procurava respeitar o que captava, por meio das suas sensações-percepções, alheando-se o mais possível dos seus sentimentos.
Para conseguir os resultados pretendidos, os pintores impressionistas socorreram-se de técnicas sofisticadas e apoiaram-se nos mais recentes estudos sobre a cor, a luz, os pigmentos e até em obras sobre os mecanismos da visão e da percepção visual. No século XIX, aprofundaram-se teorias sobre a óptica e continuaram-se as experiências sobre os princípios psicológicos dos mecanismos de percepção.
Ao mesmo tempo eram levadas a cabo investigações científicas em relação à complexidade da luz pelos físicos Michelson e Morley e à formulação das leis da cor pelo químico Cheuvreul. Em simultâneo, Bergson começava a realizar os seus estudos sobre os dados imediatos da consciência. O impressionismo acabará por reflectir o espírito científico da mentalidade positivista de meados do século XIX, afirmando que as percepções dadas pelos sentidos são as únicas bases aceitáveis do conhecimento. Isto significava que o artista devia limitar-se à descrição do que via no momento em que pintava.
As cores eram aplicadas em pinceladas rápidas com base nos estudos científicos da cor. Tentavam reproduzir o carácter prismático da luz natural servindo-se das cores do arco-íris. As cores deixavam de ser artesanais e eram comercializadas em tubos, pela primeira vez em 1842, podendo ser levadas para o local de trabalho ao ar livre. Eram aplicadas directamente na tela, sem serem misturadas na paleta. O Impressionismo conseguia uma formulação pictórica em que o binómio cor-luz era o elemento principal e em que a ausência de cor, o negro, foi uma condição indispensável para o seu desenvolvimento. Foram abolidos os tons cinzentos e privilegiadas as transparências e a luminosidade. O quadro tornava-se uma pura superfície pictural, uma nova realidade. Com base neste rigorismo técnico e científico, a pintura desmaterializava-se e tornava-se cada vez mais uma atmosfera de transparências.
Os temas preferencialmente tratados pelos pintores impressionistas estavam ligados à prática da pintura da paisagem executada no local, à banalização dos temas e à descoberta consciente do quotidiano da sua época, tanto urbano como rural. Davam maior importância à técnica, em detrimento do tema, valorizavam os pequenos gestos dos rituais quotidianos e privilegiavam o tratamento técnico de alguns motivos como, por exemplo, a água e a luz. Afirmavam ainda necessidade urgente de pintar rostos e pessoas como se fossem paisagens. Ao nível da escolha das temáticas, existia uma novidade total em relação à importância dada à sua época, ao seu quotidiano, gestos simples da vida, retratando muitas vezes amigos, vizinhos e locais de divertimento. Era o mundo da pequena burguesia que estava representado, com todos os seus hábitos, virtudes e defeitos, desde a menina com o seu cão ao colo, ao apertar da sapatilha da bailarina na penumbra do palco em tarde de ensaio ou ao gosto sereno das mulheres e dos homens passeando nos barcos.
Embora o Impressionismo corresponda a um movimento de grupo, os percursos individuais de alguns artistas apresentam particularidades e merecem ser destacados, contribuindo cada um a seu modo para a definição desta proposta estética. Estão hoje representados nos principais museus do mundo.

http://www.prof2000.pt/users/angela/impress.htm

PRÊMIO JOÃO SIMÕES LOPES NETO DE ARTES VISUAIS

Artistas Selecionados

Elton Manganelli- Porto Alegre
Pauline Trecha- Canguçu/Pelotas
Isabel Miranda Ramil- Pelotas
Ricardo de Pellegrin- Pelotas
João Genaro- Pelotas
Rodrigo Lobato Schlee- Pelotas
Adrian Nornberg dos Santos- Pelotas
Kátia Costa – Cristal/Porto Alegre
Luci Sgorla de Almeida- Porto Alegre
Ana Paula Barcelos- Pelotas
Jane Machado- Porto Alegre

Informes:

Igor Simões

Instituto João Simões Lopes Neto(Produção Cultural)

Ator, Licenciado em Artes Visuais Mestrando

FAE-Faculdade de Educação UFPel

Exposição de Guido Mondin‏

Colaborem

Recebemos um e-mail de uma amiga o qual não poderiamos deixar de divulgar e pedir a participação de nossos leitores.
Leiam e vejam o pondo que chegamos.
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Como muitos devem saber e até ter protestado, em 2007, Guillermo Vargas Habacuc, um suposto artista, colheu um cão abandonado de rua, atou-o a uma corda curtissima na parede de uma galeria de arte e ali o deixou, a morrer lentamente de fome e sede. Durante varios dias, tanto o autor de semelhante crueldade, como os visitantes da galería de arte presenciaram impassiveis à agonia do pobre animal.
Até que finalmente morreu de inanação, seguramente depois de ter passado por um doloroso, absurdo e incompreensivel calvario.
Pois isso nao é tudo: a prestigiosa Bienal Centroamericana de Arte decidiu, incompreensivelmente, que a selvageria que acabava de ser cometida por tal sujeito era arte, e deste modo tão incompreensivel Guillermo Vargas Habacuc foi convidado a repetir a sua cruel acção na dita Bienal en 2008.
Facto que podemos tentar impedir, colaborando com a assinatura nesta petição : http://www.petitiononline.com/13031953/petition.html (não tem que se pagar, nem registar) para enviar a petição, de modo que este homem não seja felicitado nem chamado de 'artista' por tão cruel acto, por semelhante insensibilidade e disfrute com a dor alheia
REENVÍA ESTA MENSAGEM A TODOS OS TEUS CONTACTOS, POR FAVOR.
se puseres o nome do 'artista' no Google, saiem as fotos deste pobre animal e seguramente também aparecerão páginas web onde poderás confirmar a veracidade da informação.

Eu assnei a lista - Rejane Botelho

Exposição de esculturas - Nilton MAIA

Rua Nova Galeria de Arte

Abertura dia 17 dezembro 2007 até 17 janeiro 2008

Rua 7 de Setembro, 500

Porto Alegre-Centro

O que as guerras e censuras não nos deixam ver:

O pintor iraniano Iman Maleki, genio do realismo, ganhou o premio William Bouguereau e o "Chairman´s Choise" no II Concurso Internacional de Art Renewal Center. Muitos o consideram o melhor pintor de arte realista do mundo. "Seus desenhos competem com as> câmeras digitais de 10 Megapixels". Afirmam os especialistas!

Exposição

Artistas: Denoir Zorzolli, Lua Pereira e Rejane Botelho

De 01 a 07 de julho das 15 hs às 18:30

Local: Rua Padre Anchieta, 3051

Mostra Fotográfica

Com temática sobre a cidade de Pelotas de Rejane Botelho.

De 02 a 13 de julho das 8hs às 18:00hs

Local: Saguão do INSS Pelotas -entrada pela Almirante Barroso.

Portas também contam a história de Pelotas

"Deixe a imaginação vagar entre os meandros artísticos de cada porta antiga da nossa cidade, e verá que a beleza independe de anúncio."


(Theresinha Azevedo)

EXPOSIÇÃO COLETIVA com Portas de prédios de Pelotas, reproduzidas em pintura, desenho, fotografia, colagens... por artistas de Pelotas, Porto Alegre, Rio Grande, Paraty (RJ)...
Com participação especial, após 1º/07, do artista plástico Paulo Brasil do Amaral.

Local: Espaço Arte & Eventos “Zilah Costa”
Pq D. Antônio Zattera nº 255 - Centro
Fone: (53) 3225-2926

Abertura: 29 de Junho, às 20h

Visitação: 30 de Junho a 15 de Julho
segunda a sexta, das 14h às 18h
sábados, das 14h às 17h

Clic aqui e assista este vídeo!

Gostou?

Artista faz fachada giratória em prédio de Liverpool

Instalação em prédio de Liverpool

Com a ajuda de engenheiros, Richard Wilson usa tecnologia de usinas nucleares

LONDRES - Uma instalação na cidade de Liverpool, no norte da Inglaterra, está virando cabeças nas ruas do centro - é um prédio de escritórios com parte da fachada em movimento.
A concepção é do artista Richard Wilson, que contou com a ajuda de engenheiros e usou tecnologia de usinas nucleares. Os moradores da cidade estão divididos. Alguns acharam a obra de Wilson "brilhante". Outros, "uma perda de tempo".
A instalação poderá ser vista até meados de 2008. Liverpool deverá abrigar vários eventos no ano que vem, quando recebe o título de Capital Européia da Cultura.
créditos: BBC

Escultura

TÉCNICA QUE HA DESARROLLADO EL ESCULTOR ASTURIANO GRANADO. HA MONTADO UNA IMPRESORA TRIDIMENSIONAL PARA ESCULPIR SUS OBRAS

OLALLA CERNUDA



El escultor controla el trabajo del plotter tridimensional desde su ordenador.

Lo llama cariñosamente Harry Plotter, con ele. El mejor aliado del escultor asturiano Antonio Granado es un gigantesco plotter hecho a mano, pieza a pieza, que le permite esculpir sin que le salgan callos; una peculiar impresora en 3D de la que salen enormes esculturas en madera, poliespán e incluso piedra.
La máquina nació en la cabeza de Antonio hace algo más de dos años. "Yo estaba acostumbrado a hacer esculturas en el ordenador, pero luego era un problema trasladar esos diseños a la vida real", asegura desde su taller cerca de Oviedo. Buscó un equipo capaz de convertir sus diseños en figuras reales, pero no existía. "Sólo había algunas pequeñas fresadoras, utilizadas en joyería, que se pueden conectar a un ordenador para tallar y pulir un determinado diseño en una piedra, pero sólo valen para cosas pequeñas". Lejos de desanimarse, lo suyo fue un acto de perseverancia. "La tecnología existía en formato pequeño. Sólo era cuestión de buscar planos, componentes y ponerse manos a la obra".
El trabajo no fue sencillo. Lo primero fue bucear en Internet para conseguir, en foros especializados y webs de ingeniería, planos sobre el funcionamiento de fresadoras industriales. Luego había que conseguir adaptar la máquina a sus necesidades. "Sobre todo a que fuera capaz de entender los dibujos que yo hacía en el ordenador", señala. Para ello ha adaptado el lenguaje de máquinas de puntos que utilizan los escultores.
El funcionamiento de Harry es sorprendentemente sencillo. Se mete una pieza del material elegido —desde poliespán hasta madera, piedra o aluminio—. Luego, con el mando de una videoconsola, se aprieta el botón, y una especie de punzón va quitando trozos a la pieza hasta dejarla con la forma deseada. "El trabajo es muchísimo más rápido", señala Antonio. Dependiendo del material del que esté hecho, una escultura de unos tres metros de alto se puede completar en un día, lo que antes llevaba casi un mes de trabajo.
Además, permite hacer retoques. "Puedo alargar una zona, o redimensionar otra, cosa que trabajando directamente sobre la madera o la piedra, era imposible".

créditos de divulgação: Resumen diario de mensajes en Parussia

Arte e Sexo

22/02/2007 - 11h20
Galeria de Londres prepara exposição sobre arte e sexo
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da Efe, em Londres

O centro de artes Barbican de Londres prepara uma exposição sobre a arte da sedução, desde a antigüidade até os nossos dias.Intitulada "Seduzidos: a arte e o sexo da antigüidade até agora", a exposição, que será restrita aos maiores de 18 anos, reunirá 250 objetos, que vão desde estátuas e relevos da Grécia e da Roma clássicas até obras contemporâneas de Robert Mapplethorpe, Francis Bacon e Jeff Koons.Haverá fragmentos libidinosos de afrescos das paredes de um bordel de Pompéia e quadros e desenhos eróticos de Fragonard, Carracci, Turner, Rodin e Picasso. Também será exibido um filme de Andy Warhol intitulado "Blow Job", que apresenta um ato de sexo oral.De Picasso, os organizadores tentaram conseguir junto ao Metropolitan Museum of Art de Nova York o empréstimo de um quadro pouco conhecido, que mostra um homem e um jovem durante o ato sexual.Também farão parte da exposição manuscritos da Índia, pinturas renascentistas, gravuras pornográficas japonesas e peças da grande coleção reunida pelo sexólogo Alfred Kinsey.Haverá ainda uma instalação sonora intitulada "A Voz do Sexo", que permitirá aos visitantes escutar a leitura de textos extraídos do Kama Sutra, de "Lolita", de Nabokov, e de obras do Marquês de Sade.Kate Bush, diretora da galeria do Barbican, admitiu à imprensa que a exposição, que faz parte das comemorações dos 25 anos do centro, será provocadora, mas negou a intenção de escandalizar.Segundo a diretora, será uma exposição "séria e com um enfoque intelectual", que tentará mostrar que outras civilizações tiveram uma atitude muito mais aberta em relação ao sexo do que as dos britânicos dos séculos 19 e 20."O sexo é um assunto que interessa a todos. Não queremos definir o escandaloso. Os limites são sempre individuais", afirma Bush.

A exposição estará aberta ao público entre 12 de outubro e 27 de janeiro do próximo ano.

Grande talento

Obra de Denoir Zorzolli

Técnica óleo sobre tela - 70x90 cm

Artista

Denoir é considerado um novo talento dentro das artes plásticas, onde desenvolvem sua técnica e criação própria pintando desde a figura humana, animais, paisagens, florais. Em sua primeira participação em concurso Estadual foram classificadas suas duas obras participantes. Na atualidade se prepara para participar em concursos a níveis nacionais e internacionais. É o responsável por ministrar aulas de pintura em tela na Agência da Arte -Pelotas, onde suas obras ficam expostas.

Trabalho

Com sua amiga Rejane Botelho, proprietária e idealizadora do espaço, realizam diversos eventos para divulgação das artes e envolvimento com a comunidade. Uniram conhecimento e personalidade em só foco, aproveitando suas formações, diversos cursos profissionalizantes e uma vasta carga horária, realizam trabalhos na área, sendo criadores de diversos trabalhos de desing como: cartazes artísticos, propaganda, capas para cds e tantos outros, podendo criar móveis e decorar um residencial. Gostam de congregar as artes em uma só, como a música, dança, literatura e decoração valorizando assim todos os talentos artísticos.

Atualidade

Denoir hoje pinta diversos quadros para os adoradores e criadores de cavalos, reproduzindo na tela sua obra e talento, dando continuidade as aulas de pintura no ateliê.

Contatos: 53-9105 1159 ou agenciadaarte@yahoo.com.br

Rua Pe Anchieta, 3051 (atelier)

Arte para usar

Bienal de SP

A 3ª Bienal de Arte, Ciência e Cultura da União Estadual dos Estudantes de São Paulo é dirigida aos estudantes de todo o estado de São Paulo, que participarão mediante preenchimento da ficha de inscrição e atendimento às condições deste regulamento.

A 3ª Bienal de Arte, Ciência e Cultura da União Estadual dos Estudantes de São Paulo será realizada na cidade de Campos do Jordão entre os dias 07 a 10 de dezembro de 2006.3. A 3ª Bienal de Arte, Ciência e Cultura da União Estadual dos Estudantes de São Paulo é composta pelos seguintes eventos:

a. Mostra de Música;

b. Mostra de Artes Cênicas;

c. Mostra de Cinema e Vídeo;

d. Mostra de Artes Visuais;

e. Mostra Literária;

f. Mostra de Ciência e Tecnologia;

g. Oficinas;

h. Ciclo de debates, palestras e workshops sobre diversos temas.

Maiores informações:
http://www.une.org.br/
http://www.bienaldaueesp.blogspot.com/

Arte - registro

Informe-se sobre estes assuntos no link acima


:. Arte: é preciso registrar esse patrimônio
:. O "caminho das pedras" para filmes e obras audiovisuais
:. Roteiro do autor de obra de arte
:. Obras de engenharia e aProjetos de lei
:. Projetos de lei
:. Endereços

Roteiro do autor de obra de arte


Segundo a Lei do Direito Autoral (9.610/98), pinturas, aquarelas, gravuras, esculturas, litografias, desenhos (de personagens, de jóias, de logomarcas, etc.) e fotografias podem ser registradas como obras de arte na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro.

Veja como:

1. Imprima e preencha o formulário oferecido no endereço

www.eba.ufrj.br/direitosautorais/home.html. Não esqueça de preencher o final e o verso do formulário, pois na falta de qualquer informação o pedido será devolvido para os acertos necessários. Lembre-se de que você é inteiramente responsável pelas informações prestadas.

2. Anexe a cada pedido duas reproduções legíveis da obra (fotografia, cópia xerox etc.), assinadas pelo autor, com tamanho de 10cm por 20cm. É importante enviar uma reprodução de qualidade porque a impressão pode desbotar com o tempo e a Escola de Belas Artes não se responsabiliza pela nitidez do material arquivado.

3. Junte cheque nominal à Fundação Universitária José Bonifácio, ou comprovante de depósito bancário em nome da Fundação Universitária José Bonifácio, conta 7333-4 da agência 0287-9 do Banco do Brasil, sob o código de apostila 7033-5, no valor de R$ 70.

4. Caso deseje solicitar uma busca para saber se a obra foi registrada nos últimos três anos, o valor cobrado é R$ 260.

5. Envie o pedido pelo correio ou entregue pessoalmente na Escola de Belas Artes (ver Endereços).

6. Os registros concedidos são devolvidos pelo correio, registrados, ou podem ser retirados no mesmo local de entrega do pedido.

A Agência da Arte cumprindo seu dever e tudo em cima!

Sebastia Boada

The New York Times

A work by Sebastia Boada, a Catalan Painter from Barcelona, where three of the most famous artists in history were from. Picasso, Miro and Dali. Is there something in the air? We can still acquire works by Boada at the Spanish price and not the American one, and we believe that an invesment in the distribution of his limited editions can be a very lucrative prospect. Please email us/or call for the details of the program

Three Ten % over cost!. If you're already in love with some contemporary artist, and you're spending at least a couple of thousand or more per year on his or her work, then this is the program for you. We acquire them for you at the wholesale price in return for a small commission. Artists such as Shvaiko, Royo, Hessam, Sabzi, Britto, Pino, etc.

(tradução na trave-portugues)

Um trabalho por Sebastia Boada, Pintor catalão de Barcelona donde três dos artistas mais famosos em história eram. O Picasso, Miro e Dali. Há algo no ar? Nós ainda podemos adquirir trabalhos por Boada ao preço espanhol e não o americano, e nós acreditamos que um invesment na distribuição das edições limitadas dele pode ser um prospecto muito lucrativo. Por favor us/or de e-mail pedem os detalhes do programa

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